La visión cósmica de Leonardo Da Vinci

En las estructuras internas de la naturaleza hay una fuerza geométrica oculta que la impregna y le sirve de sustento, un mundo complejo de números enigmáticos y abstractos que rigen los patrones dinámicos del Universo. A Leonardo, obviamente, estos temas no le pasaron desapercibidos.

Durante el Renacimiento, se retomó  la idea, que consideraba la belleza como la correcta armonía de las partes entre sí con el todo. La ciencia sostuvo un principio fundamental: establecer una correspondencia perfecta entre la mente y la realidad mediante los conocimientos matemáticos. Leonardo hizo suya esta causa y en este sentido, centró toda su investigación científica en la Naturaleza como objeto de estudio y en la búsqueda de sus claves como reto personal. Según su criterio, la aplicación de la razón, facultad suprema de la mente humana, permite conocer los códigos matemáticos y los principios universales que rigen el universo.

Entre los numerosos estudios y bocetos que realizó, aquí destaco las ilustraciones que Leonardo llevó a cabo en la parte final del libro «De Divina Proportione» de Luca Pacioli (Venecia 1509), estaba formada por sesenta tablas ilustradas con gran detalle y precisión, en ellas, el genio elaboró representaciones tridimensionales y en perspectiva de los poliedros, tanto en las versiones «sólida» como «vacía». Principalmente, por este motivo, y por el estudio profundo que Luca Pacioli desarrolló, respecto a la Proporción Áurea, y al “número dorado”  la publicación «De Divina Proportione» fue el vértice del redescubrimiento de los sólidos platónicos en el Renacimiento. En la parte dedicada a la geometría, Luca Pacioli se inspiró en la «Práctica de la Geometría» de Fibonacci, como también de Euclides, en ella es resuelve, no sin originalidad, cien problemas de planimetría  y de estereometría y fue uno de los factores decisivos para el surgimiento del estudio científico de la Perspectiva, al norte de Italia y en Europa. Y también sucedió gracias al profundo interés mostrado en torno a estos temas por Alberto Durero, quien estuvo en Venecia al mismo lapso de años en el que también estaban, Leonardo da Vinci y Luca Pacioli.

Mucho antes, en la antigua Grecia, los pitagóricos, estaban fascinados por los sólidos regulares, sobre todo por el dodecaedro debido a la presencia del emblemático pentágono en sus caras que lo relacionaban de forma mística con el número phi y el Cosmos.

Textos: http://www.alarcón4rt.com

 

 

Autoretrato original de Leonardo da Vinci.

 

 

“Icodavinci” (Josep María Alarcón)

«La simplicidad es la máxima sofisticación.» (Leonardo da Vinci)

«El sonido musical penetra directamente en el espíritu. Inmediatamente encuentra en él una resonancia porque el hombre lleva la música en si mismo” (Goethe).

«Todo el mundo sabe que los colores amarillo, naranja y rojo despiertan las ideas de alegría y riqueza (Delacroix)”.

• Estas dos citas muestran el profundo parentesco que existe entre las artes, en especial entre la música y la pintura. En este sorprendente parentesco se basa seguramente en la idea de Goethe de que la pintura tiene que encontrar su bajo continuo. Esta profética frase es un presentimiento de la situación en la que se encuentra la pintura en la actualidad. A partir de esta situación y por sus propios medios, la pintura evolucionará hacia el arte en sentido abstracto y alcanzará la composición puramente pictórica. Los medios que para ello dispone son las formas y el color. La forma puede existir independientemente como representación del objeto o como delimitación puramente abstracta de un espacio o una superficie. No así el color, que no puede extenderse ilimitadamente. El rojo infinito sólo puede concebirse intelectualmente. Al oír la palabra rojo no hay límites en nuestra imaginación. Si fuera necesario habría que hacer un esfuerzo para imaginarlos. El rojo no visto sino concebido de modo abstracto, nos da una idea, precisa e imprecisa a la vez, con un tono puramente interior y físico. Es imprecisa porque carece de un determinado matiz del tono rojo. Pero al mismo tiempo es precisa, ya que su sonido interno está desnudo, sin tendencias adicionales hacia el calor, el frío, etc., que lo delimiten. Este sonido interno equivale al sonido de un  piano o de un instrumento imaginado, en ausencia de los detalles concretos. El sonido se imagina en abstracto, sin las diferencias que en él se producirían al sonar o al aire libre, o en un espacio cerrado, solo o con otros instrumentos. La relación inevitable entre color y forma nos lleva a la observación de los efectos que tiene esta última sobre el color. La forma, aun cuando sea completamente abstracta y se reduzca a una forma geométrica, posee en sí misma su sonido interno, es un ente espiritual con propiedades identificables a ella. Un triángulo (sin que importe que sea agudo, llano o isósceles) es uno de esos entes con su propio aroma espiritual. Al relacionarse con otras formas, este aroma cambia y adquiere matices consonantes, pero, en el fondo, permanece invariable, así como el olor de la rosa nunca podrá confundirse con el de la violeta. El número de colores y formas es infinito, así como las combinaciones y los efectos. El material es inagotable. La forma, en sentido estricto, no es más que la delimitación de una superficie por otra. Esta es una definición superficial, pero todo lo superficial encierra necesariamente un elemento interno más o menos manifiesto. Toda forma tiene pues un contenido interno, del cual es expresión. Esta es su caracterización interna. Wassily Kandinsky. Fuente: “De lo espiritual en el arte” (fragmento) La nave de los locos (Premia editora s.a.)

 

 

Exposizione internazionale: «STREAM OF CONSCIOUSNESS» oct-2016

Palazzo del Senato, Milano

Exibition organizzata a cura dell’Associazione Arte Italia Cultura del presidente dott. Giuseppe Colombo e attentamente selezionata dall’art director e critico d’arte dott.ssa Adriana Conconi Fedrigolli.

Palazzo del Senato, Milano

Nell’opera Plinio e l’ira di Vulcano l’artista riesce sapientemente con la potenza espressiva della sua pittura materica e segnica a rendere il momento in cui tutto era già sommerso dalla lava, divenuta cenere e il cielo si univa con il mare e con la terra. Plino inerme osservatore inizia simbolicamente a scrivere come un cronista ante litteram gli eventi tragici di quei momenti per consegnarli alla storia. Alarcòn nello stesso tempo con la pennellata più liquida unisce il libero atto creativo con la logica razionale di un passato che non è mutabile. Metaforicamente a quattro mani con Plinio il Giovane scrive sulla stessa materia intervenendo quale testimone postumo dell’evento, per consentire ancora una volta al fruitore di riappropiarsi di quella dimensione cosmica universale che rende ogni cosa parte di un tutto in cui la libertà creativa si copenetra alchemicamente con la ratio dell’intelletto e della storia. Da ultimo Conoscenza intrìnsica, la memoria della terra, in cui la cromia muta sorprendentemente, tutto è già accaduto la lava ha invaso, coperto, cancellato Pompei, Ercolano, Stabia e Oplontis, si è raffreddata e ha perso la sua forza, la sua potenza e la sua velocità distruttiva. Il pittore sta osservando quale spettatore esterno al suo essere artefice dell’opera ciò che rimane: il nulla, strati di magma pietrificati, da cui però timidamente, ma con un moto continuo escono sagome della prima lettera dell’alfabeto latino, simbolo dell’alfabeto stesso, molte altre lettere “A” sono già uscite e si sono accumulate in modo all’apparenza casuale nella parte inferiore della tavola. L’eruzione vesuviana non può cancellare il sapere, le opere d’arte, i sentimenti, la creatività di chi ne è rimasto vittima, lentamente la storia farà il suo corso e ci sarà il ricongiungimento di ciò che appare perduto e nascosto con il sapere universale, si tratta solo di un tempo di passaggio che nulla toglierà anzi aggiungerà alla riscoperta di civiltà che appartengono inscindibilmente alla nazione italiana. Appare la matericità prepotente, non casuale, che rende perfettamente nella voluta stratificazione pittorica l’immagine del paesaggio desolato dopo l’eruzione vesuviana conferendo ad esso l’idea di occultamento momentaneo dell’uomo, delle sue conoscenze, del suo essere intrinseco e del suo sapere.

In Conoscenza intrìnsica, la memoria della terra aftimidamente le lettere “A” e degli elementi umani che immediatamente rimandano all’incipit del celeberrimo canto leopardiano “ La ginestra”, (…) che su l’arida schiena del formidabil monte sterminator Vesevo, la qual null’altro allegra arbor né fiore, tuoi cespi solitari intorno spargi ,odorata ginestra (…). I quasi duemila anni dall’eruzione vesuviana nulla hanno mutato, l’uomo è sempre un essere fragile, ma oppone a questa sua connaturata debolezza la forza e la volontà di reagire, così come la ginestra germoglia tra la lava dando la speranza della vita allo stesso modo il pittore Alarcón conferisce alle sue opere quella medesima speranza e le stesse modalità del suo essere un artista del XXI secolo consapevole e strutturato concettualmente gli permette di trasferire messaggi su cui è necessario soffermarsi.

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«Àurea» 31,5 X 22 cm.

La sua espressione artistica ha il carattere di novità ed appare immediatamente riconoscibile. La forza di Josep Maria Alarcón nell’essere nella materia pittorica e parte della materia stessa, sentendo la dimensione artistica espressione totalizzante di sé, dei suoi pensieri, del suo intimo sentire e manifestazione del cosmo, lo porta a pensare a questa mostra in Italia avvicinandosi alla nazione che lo ospiterà con un trittico composto da Áurea, Mediterrànea e Milano Chromaticus in cui interviene con la sua forte matericità e con le sue accese cromie su pagine di libri, che come già detto, diventano supporti strutturali e inequivocabili tramiti di sapere. In Áurea la lettera A maiuscola ritagliata da un libro e le sgocciolature di un giallo zafferano avviano un movimento in divenire nella apparente casualità che l’artista fa pensare, ma che di causalità mai si tratta; le pagine capovolte del libro perdono la loro valenza e Alarcón interviene con scritte. Per continuare in Mediterrànea i colori primari invadono potentemente la carta, il blu cobalto forse allude al mar Mediterraneo, ma è la forte materictà e stratificazione cromatica che fa da padrona lasciando però leggibile il libro che assurge a supporto, come se in sottofondo raccontasse di sé. Da ultimo Milano Chromaticus, omaggio alla città che ospita la mostra, in cui raffigura una landa bianca di forte densità materica, nella cui parte superiore appaiono guizzi di colori, un punto è segnato, come fosse una cartina geografica, Milano, e aggiunge con il lapis una nuvoletta da cui escono gocce di pioggia, caratteristica meteorologica di molte città del nord Italia, forse un ricordo legato ad un passato vissuto nella città che riaffiora ora sulla carta.

dott.ssa Adriana Conconi Fedrigolli. (critico d’arte)

«Milano Chromaticus» 27 X 33 cm.

Durante l’apertura della mostra accompagnato dal rappresentante del Senato Enrico Moliniari al centro dell’immagine   ea destra e il Dott. Benedetto Luigi Compagnoni presidente di Palazzo Senato,attuale sede dell’Archivio  di Stato di Milano.

Al vernissage diverse le rappresentanze istituzionali sia italiane che straniere, alcune delle quali premiate per l’essersi distinte nella divulgazione di arte, eventi culturali e promozione delle eccellenze italiane nel mondo. Tra i premiati: dott. Enrico Molinari in rappresentanza del Senato italiano, il vicepresidente di Confassociazioni Iternational che ha ritirato il premio per conto del presidente Salvo Iavarone, la dott.ssa Yang Ling a capo della delegazione governativa cinese, la nota cantante e attrice Elena Presti, la dott.ssa Lorena Maria Franchi in rappresentanza del Principato di Monaco, la Presidente dell’Opera umanitaria ASA Italia Milena Polidoro e l’artista Josep Maria Alarcòn in rappresentanza della Spagna.Presenti anche le rappresentanze del Capo di Stato Maggiore in Milano e diversi imprendito.

Il pittore Josep Maria Alarcón rende omaggio a due artisti che sin dall’infanzia sono stati fondamentali nella sua formazione, Leonardo da Vinci e Pablo Picasso realizzando per ricordare il primo il solido geometrico dell’icosaedro, la cui scoperta risale a studiosi dell’antica Grecia, ma che con il De divina proportione di Luca Pacioli, edito nel 1509, in cui appaiono pubblicate tavole leonardesche, si arriva all’esatta costruzione geometrica. A un icosaedro sospeso nello spazio costrito in ferro rosso, colore primario presente in molte composizioni dell’artista, Alarcón appende fluttuanti e vibranti nell’aria settantacinque libri dedicati a Picasso su cui interviene con il vigore della sua matericità pittorica utilizzando gli stessi come supporto strutturale delle sue opere. La pittura appare stesa o a larghe campiture momocromatiche, in cui si evidenziano tensioni curvilinee, o con pennellate che lasciano in evidenza il supporto sottostante, una pagina, un libro. Un’istallazione in dialogo aperto con l’universo, con figure che appartegono all’immaginario collettivivo perchè ampiamente storicizzate, in cui l’osservatore è condotto a ripercorrere e riappropriarsi di parte del suo vissuto inserendolo nel presente che è parte del tutto. E questo processo interiore è riproposto costantemente da Alarcòn nelle sue opere, si pensi ai mascheroni che affiorano stupefatti e increduli, alle figure arcaiche, a lettere cripitche che appaiono nella materia corposa di Ego sum lux mundi del 2011. E molto si potrebbe aggiungere sull’ampia produzione dell’artista che alchemicamente per veicolare il suo messaggio passa con estrema disinvultura da mezzi espressivi diversi, quali, per fare alcuni esempi il legno, il ferro, la tela, la carta, con il rimando sempre in questo caso alle pagine dei libri, pagine in cui interviene mutandone il carattare e creando da esse un dipinto, unico. Lontano da echi neo dadaisti, piuttosto con un rimando ai collage di picassiana memoria o ad alcune esperienze figurative di Antoni Tàpies, Alarcón è da ritersi un pittore che abbia raggiunto una tale autonomia creativa per il quale i rinvii appaiono ampiamente superati.

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«ARS MAGNA GENERALIS»
Exposición / instalación del proyecto «Ex libris», creada «ad hoc» por Josep María Alarcón e inspirada en el pensamiento y la obra homónima de Ramon Llull, que el artista leridano nos presentó en septiembre del 2016 para conmemorar, desde un punto de vista plástico, el VII Centenario de la muerte de Ramón Llull. «Illuminatti Universal», escritor, místico, pensador, filósofo, divulgador, científico, alquimista y misionero; sin duda el personaje más destacado de la Edad Media. Una figura singular y trascendente considerado  patrimonio de la cultura universal.
Ramon Llull concibió un método que, mediante un sistema de lógica combinatoria, podía explicar y demostrar la autenticidad o no de cualquier postulado, mediante un complejo mecanismo de figuras geométricas y símbolos, que combinan letras y conceptos.

La pintura mural de gran formato «Ars Magna», «Universia» y el resto de las obras, articulan un diálogo conceptual entre el  método de la lógica combinatoria desarrollada por Ramón Llull y la propia iconografía creativa de Alarcón. Desde el punto de vista plástico, el lenguaje matérico dota la exposición del misticismo neoplatónico que el mismo Llull argumentó de forma continua a través de la semántica y el axioma.

Rueda de prensa del  Consejero de Cultura de la la Generalitat de Cataluña Santi Vila, con la pintura de gran formato «ARS MAGNA» del artista Josep Maria Alarcón de fondo, en esta ocasión, al consejero de cultura le acompañaron entre otras personalidades, el director del Museo Nacional de Cataluña (Mnac) Pepe Serra, el director del Museo Diocesano y Comarcal  de Lleida Josep Giralt, el Delegado del gobierno de la Generalitat, Ramón Farré, el alcalde de el director de los Servicios Territoriales de Cultura Josep Borrell, el director del Museo  Morera de Lleida J. Navarro, la regidora Marta Gispert y otras autoridades.

Foto: ©Departament de Cultura. Generalitat de Catalunya / Ministry of Culture. Government of Catalonia (@cultura_cat)

Foto: ©Departamento de Cultura. Generalitat de Catalunya / Ministry of Culture. Government of Catalonia (@cultura_cat)

 

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COMENTARIOS Y REFLEXIONES DEL PUBLICO:

«Ars Magna Generalis en una experiencia visual y sonora. El creador de la obra (Josep Maria Alarcón) nos ha regalado conversaciones y diálogos a través del proyecto Ex libris y la fascinación de un niño _El petit ENKI- ante la instalación «Universia» ávido de sabiduría y conocimiento.

La interacción de un viaje pictórico como espejo de su vida se cruza con la identidad de Ramon Llull, escritor, filósofo, místico, teólogo, misionero y profesor ofreciendo el discurso de la conjunción divulgativa de las tres culturas, la judía, la musulmana y la cristiana.

Es interpretando la obra artística con sonidos y melodias escritas que se exalta la imaginación y donde descubrimos la transformación de los cuatro elementos de la naturaleza, la tierra, el agua, el fuego y el aire, tal como contempla la lectura de » El árbol de la ciencia«que dibuja el camino de una ciéncia que dibuja el camino de una discusión entre dos hermanas, la ciencia y la fe, el cielo y la tierra. Estos son los hilos conductores que el autor utiliza para mostrar la complejidad del pensamiento, la obra y la propia identidad humana de Ramon Llull« (Caren S.)

El 31-3-2016 tuvo lugar, en los Servicios Territoriales del Departamento de Cultura en Lleida, la inauguración de la exposición

EX·LIBRIS. POMPEYA, «La Ira De Vulcano» del artista leridano Josep Maria Alarcón.

▶Exlibris, locución latina que indicaba la propiedad de un libro, describe un ambicioso proyecto de Josep M. Alarcón. El artista invita a la experiencia sensorial sobre el origen y la transmisión del conocimiento a lo largo de la historia.

Sorprende la capacidad expresiva que brota de la obra, un mundo mágico con vida propia, de formas y volúmenes enigmáticos y caprichosos, colores limpios e intensos, pinceladas sinuosas y composiciones desafiantes, aplicadas con una sensibilidad que es fruto de años de trabajo e investigación . Pero también nos interpela la profundidad intel • lectual que mediante una evocación de gran plasticidad, impregna cada símbolo o gesto y conecta con su significado iconográfico. Sugiere una identificación que conecta con el universo nocional y cultural que ha perdurado y se ha desarrollado a lo largo del tiempo a través de iconos y objetos que encontramos dignificados.
Esta es la verdadera intención de Josep M. Alarcón: conseguir una sinergia mágica entre intelecto y materia, entre la rigidez del pensamiento y la libertad expresiva; dos ideas aparentemente inconexas pero que conjugadas nos proponen una vivencia extrapolada. Por un lado, el intelecto pierde fronteras y es capaz de ofrecernos emociones que escapan a la razón, por otra parte, la expresión queda contenida por una idealización intelectual que confiere una incoherencia enigmática en la obra. Un proyecto artístico apasionante que combina a la vez emoción y reflexión.
El proyecto fue presentado por primera vez en Nueva York durante el mes de septiembre del año 2013. Dada la buena acogida, ha adoptado un talante itinerante. Entre otros lugares, también ha sido expuesta recientemente en el Museo de Arte Contemporáneo CAC Mijas y al Gálvez House Museum en Macharaviaya.
Los Servicios Territoriales de Cultura en Lleida participan en esta itinerancia, preludio de una renovada propuesta de Josep M. Alarcón que enriquecerá el proyecto EX – LIBRIS con una reflexión sobre la potencia del recuerdo y el legado de Ramón Llull, que formará parte de la conmemoración del 7º centenario que se celebrará este otoño en Lleida.

Progresivamente, las diferentes disciplinas artísticas van encontrando su propio espacio de expresión plástica. Curiosamente, es gracias a esta diversificación, que los nuevos lenguajes creativos se hallen tan próximos unos de otros. Contemplamos con interés, el escenario de cambios permanentes que se suceden con una frecuencia cuasi algorítmica. Hasta ahora, son numerosos los ejemplos que, continúan con gran esplendor, esta tendencia hacia la abstracción. Aquí cabe destacar, la naturaleza intrinsica de la abstracción metafísica, que consciente o no, responde a la frase de Sócrates: -¡Conócete a ti mismo!- Los artistas vuelven su atención hacia su material propio, estudian y analizan en su balanza espiritual el valor interno de los elementos con los que pueden crear. Esto produce espontáneamente su consecuencia natural: la comparación de los propios elementos con los de otras disciplinas. La enseñanza más valiosa la aporta la música,que ha sido siempre el arte que ha utilizado sus propios medios para expresar la vida interior del artista y crear una vida propia, y no para representar o reproducir fenómenos naturales. El artista, cuyo objetivo no es la imitación de la naturaleza, aunque sea artística, sino que lo que pretende es expresar su mundo interior, ve con envidia cómo hoy este objetivo se alcanza naturalmente y sin dificultad en la música, el arte más abstracto. Es lógico que se vuelva hacia ella e intente encontrar medios expresivos paralelos en su arte. Este es el origen, en la pintura actual, de la búsqueda del ritmo y la construcción matemática y abstracta, del valor dado a la repetición del color y a la dinamización de éste, etc. La comparación entre los medios propios de cada arte y la inspiración de un arte en otro, sólo es válida si no es externa sino de principio. Es decir, un arte puede aprender de otro el modo en que se sirve de sus medios para después, a su vez, utilizar los suyos de la misma forma; esto es, según el principio que le sea propio exclusivamente. En este aprendizaje, el artista no debe olvidar que cada medio tiene una utilización idónea y que de lo que se trata es de encontrarla. Respecto a la expresión formal, la música puede obtener resultados inasequibles para la pintura, pero, por otro lado, no tiene algunas de las cualidades de ésta. Por ejemplo, la música dispone del tiempo, de la dimensión temporal. La pintura, que carece de esta posibilidad, puede sin embargo presentar todo el contenido de la obra en un instante, lo cual es imposible para la música. Esta, externamente emancipada de la naturaleza, no necesita tomar prestadas formas externas para su lenguaje. Por el contrario, la pintura depende hoy casi por completo de las formas que le presta la naturaleza. Su labor consiste en analizar sus fuerzas y sus medios, conocerlos bien, como hace tiempo que los conoce la música, y utilizarlos en el proceso creativo de un modo puramente pictórico. El arte, capaz de evolucionar, se basa también en su época espiritual, pero no sólo es eco y espejo de ella, sino que contiene una energía profética vivificadora que actúa amplia y profundamente. La vida espiritual, en la que también se halla el arte y de la que el arte es uno de sus más fuertes agentes, es un movimiento complejo pero determinado, traducible a términos simples, que conduce hacia adelante y hacia arriba. Este movimiento es el del conocimiento. Puede adoptar muchas formas, pero en el fondo mantiene siempre un sentido interior idéntico, el mismo fin. Son oscuras las razones por las que todo movimiento progresivo y ascendente debe realizarse con sufrimientos, malos momentos y penas. Cuando se ha concluido una etapa y se ha superado otro escollo del camino, una mano perversa e invisible arroja nuevas piedras que parecen cerrar y borrar por completo el camino por el que se andaba. Entonces aparece un creador parecido en todo a nosotros, pero que tiene dentro de sí una fuerza visionaria y misteriosa. Fuente: Wassily Kandinsky, de lo espiritual en el arte.

La escritura es la danza extrapolada de la mirada humana.

El ojo te observa, el ojo siempre te ha observado, ha recorrido el mundo mucho antes de que tú nacieras, ha intentado observar incluso el tiempo en que él no existía. En el momento en que apareciste allí estaba, antes que todo, observándote, observando como llorabas, observando el dolor más intenso de tu vida. A través de él has podido entender que hay un mundo por descubrir, has podido sentir el primer contacto con otra vida, y ratificar en la mirada del otro tu propia existencia. Es tu presencia unificadora la que confiere un sentido, un origen fijo y un equilibrio a la palabra. A través de la escritura hemos buscado la permanencia, la distribución y la relación de un todo inconmensurable, únicamente perceptible a través de los sentidos.

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Aunque es difícil precisar, las primeras manifestaciones escritas se remontan en torno al 1500 a.C.  En 1905 se descubrió una serie de inscripciones en Serabit el-Khadim, en la península del Sinaí. La escritura mostraba apariencia jeroglífica, pero los signos pertenecían a un sistema pictográfico desconocido. Esta grafías denominadas protosinaíticas, hicieron pensar que se trataba de signos alfabéticos y no silábicos utilizados para escribir una lengua desconocida, aunque se supuso que debía ser semítica, ya que los hallazgos se produjeron en las excavaciones de unas minas de turquesas egipcias explotadas en época faraónica por trabajadores cananitas.

• La obra “AYIN” esta inspirada principalmente en la plasticidad del signo y el contexto de su origen. La composición y ejecución visual de esta pintura, rinde tributo, no solo a la letra que nos ocupa, también al resto de signos que devinieron en la potente herramienta de comunicación,  que el lenguaje escrito ha supuesto para la evolución de la humanidad en el contexto histórico.

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«El sonido musical penetra directamente en el espíritu. Inmediatamente encuentra en él una resonancia porque el hombre lleva la música en si mismo” (Goethe). «Todo el mundo sabe que los colores amarillo, naranja y rojo despiertan las ideas de alegría y riqueza (Delacroix)”.

• Estas dos citas muestran el profundo parentesco que existe entre las artes, en especial entre la música y la pintura. En este sorprendente parentesco se basa seguramente en la idea de Goethe de que la pintura tiene que encontrar su bajo continuo. Esta profética frase es un presentimiento de la situación en la que se encuentra la pintura en la actualidad. A partir de esta situación y por sus propios medios, la pintura evolucionará hacia el arte en sentido abstracto y alcanzará la composición puramente pictórica. Los medios que para ello dispone son el color y la forma. La forma puede existir independientemente como representación del objeto o como delimitación puramente abstracta de un espacio o una superficie. No así el color, que no puede extenderse ilimitadamente. El rojo infinito sólo puede concebirse intelectualmente. Al oír la palabra rojo no hay límites en nuestra imaginación. Si fuera necesario habría que hacer un esfuerzo para imaginarlos. El rojo no visto sino concebido de modo abstracto, nos da una idea, precisa e imprecisa a la vez, con un tono puramente interior y físico. Es imprecisa porque carece de un determinado matiz del tono rojo. Pero al mismo tiempo es precisa, ya que su sonido interno está desnudo, sin tendencias adicionales hacia el calor, el frío, etc., que lo delimiten. Este sonido interno equivale al sonido de un  piano o de un instrumento imaginado, en ausencia de los detalles concretos. El sonido se imagina en abstracto, sin las diferencias que en él se producirían al sonar o al aire libre, o en un espacio cerrado, solo o con otros instrumentos. La relación inevitable entre color y forma nos lleva a la observación de los efectos que tiene esta última sobre el color. La forma, aun cuando sea completamente abstracta y se reduzca a una forma geométrica, posee en sí misma su sonido interno, es un ente espiritual con propiedades identificables a ella. Un triángulo (sin que importe que sea agudo, llano o isósceles) es uno de esos entes con su propio aroma espiritual. Al relacionarse con otras formas, este aroma cambia y adquiere matices consonantes, pero, en el fondo, permanece invariable, así como el olor de la rosa nunca podrá confundirse con el de la violeta. El número de colores y formas es infinito, así como las combinaciones y los efectos. El material es inagotable. La forma, en sentido estricto, no es más que la delimitación de una superficie por otra. Esta es una definición superficial, pero todo lo superficial encierra necesariamente un elemento interno más o menos manifiesto. Toda forma tiene pues un contenido interno, del cual es expresión. Esta es su caracterización interna. Wassily Kandinsky. Fuente: “De lo espiritual en el arte” (fragmento) La nave de los locos (Premia editora s.a.)