Abstracción Lírica. Textura, Color y Forma. (Josep Maria Alarcón)

Progresivamente, las diferentes disciplinas artísticas van encontrando su propio espacio de expresión plástica. Curiosamente, es gracias a esta diversificación, que los nuevos lenguajes creativos se hallen tan próximos unos de otros. Contemplamos con interés, el escenario de cambios permanentes que se suceden con una frecuencia cuasi algorítmica. Hasta ahora, son numerosos los ejemplos que, continúan con gran esplendor, esta tendencia hacia la abstracción. Aquí cabe destacar, la naturaleza intrinsica de la abstracción metafísica, que consciente o no, responde a la frase de Sócrates: -¡Conócete a ti mismo!- Los artistas vuelven su atención hacia su material propio, estudian y analizan en su balanza espiritual el valor interno de los elementos con los que pueden crear. Esto produce espontáneamente su consecuencia natural: la comparación de los propios elementos con los de otras disciplinas. La enseñanza más valiosa la aporta la música,que ha sido siempre el arte que ha utilizado sus propios medios para expresar la vida interior del artista y crear una vida propia, y no para representar o reproducir fenómenos naturales. El artista, cuyo objetivo no es la imitación de la naturaleza, aunque sea artística, sino que lo que pretende es expresar su mundo interior, ve con envidia cómo hoy este objetivo se alcanza naturalmente y sin dificultad en la música, el arte más abstracto. Es lógico que se vuelva hacia ella e intente encontrar medios expresivos paralelos en su arte. Este es el origen, en la pintura actual, de la búsqueda del ritmo y la construcción matemática y abstracta, del valor dado a la repetición del color y a la dinamización de éste, etc. La comparación entre los medios propios de cada arte y la inspiración de un arte en otro, sólo es válida si no es externa sino de principio. Es decir, un arte puede aprender de otro el modo en que se sirve de sus medios para después, a su vez, utilizar los suyos de la misma forma; esto es, según el principio que le sea propio exclusivamente. En este aprendizaje, el artista no debe olvidar que cada medio tiene una utilización idónea y que de lo que se trata es de encontrarla. Respecto a la expresión formal, la música puede obtener resultados inasequibles para la pintura, pero, por otro lado, no tiene algunas de las cualidades de ésta. Por ejemplo, la música dispone del tiempo, de la dimensión temporal. La pintura, que carece de esta posibilidad, puede sin embargo presentar todo el contenido de la obra en un instante, lo cual es imposible para la música. Esta, externamente emancipada de la naturaleza, no necesita tomar prestadas formas externas para su lenguaje. Por el contrario, la pintura depende hoy casi por completo de las formas que le presta la naturaleza. Su labor consiste en analizar sus fuerzas y sus medios, conocerlos bien, como hace tiempo que los conoce la música, y utilizarlos en el proceso creativo de un modo puramente pictórico. El arte, capaz de evolucionar, se basa también en su época espiritual, pero no sólo es eco y espejo de ella, sino que contiene una energía profética vivificadora que actúa amplia y profundamente. La vida espiritual, en la que también se halla el arte y de la que el arte es uno de sus más fuertes agentes, es un movimiento complejo pero determinado, traducible a términos simples, que conduce hacia adelante y hacia arriba. Este movimiento es el del conocimiento. Puede adoptar muchas formas, pero en el fondo mantiene siempre un sentido interior idéntico, el mismo fin. Son oscuras las razones por las que todo movimiento progresivo y ascendente debe realizarse con sufrimientos, malos momentos y penas. Cuando se ha concluido una etapa y se ha superado otro escollo del camino, una mano perversa e invisible arroja nuevas piedras que parecen cerrar y borrar por completo el camino por el que se andaba. Entonces aparece un creador parecido en todo a nosotros, pero que tiene dentro de sí una fuerza visionaria y misteriosa. Fuente: Wassily Kandinsky, de lo espiritual en el arte.

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“AYIN, origen de la letra O” __ by Josep Maria Alarcón

El museo de Arte Contemporáneo CAC Mijas Museum ha incorporado a su colección permanente la obra “AYIN” junto a otras de Picasso, Dali, Georges Braque,Tsuguharu Foujita y Ricardo Opisso etc.  La obra, inspirada en el origen de la letra “O” del alfabeto protosinaítico, forma parte del proyecto “EX LIBRIS” de Josep Maria Alarcón.

El museo de Arte Contemporáneo CAC Mijas Museum ha incorporado a su colección permanente la obra “AYIN” junto a otras de Picasso, Dali, Georges Braque,Tsuguharu Foujita y Ricardo Opisso etc.
La obra, inspirada en el origen de la letra “O” del alfabeto protosinaítico, forma parte del proyecto “EX LIBRIS” de Josep Maria Alarcón.

La escritura es la danza extrapolada de la mirada humana.

El ojo te observa, el ojo siempre te ha observado, ha recorrido el mundo mucho antes de que tú nacieras, ha intentado observar incluso el tiempo en que él no existía. En el momento en que apareciste allí estaba, antes que todo, observándote, observando como llorabas, observando el dolor más intenso de tu vida. A través de él has podido entender que hay un mundo por descubrir, has podido sentir el primer contacto con otra vida, y ratificar en la mirada del otro tu propia existencia. Es tu presencia unificadora la que confiere un sentido, un origen fijo y un equilibrio a la palabra. A través de la escritura hemos buscado la permanencia, la distribución y la relación de un todo inconmensurable, únicamente perceptible a través de los sentidos.


Aunque es difícil precisar, las primeras manifestaciones escritas se remontan en torno al 1500 a.C.  En 1905 se descubrió una serie de inscripciones en Serabit el-Khadim, en la península del Sinaí. La escritura mostraba apariencia jeroglífica, pero los signos pertenecían a un sistema pictográfico desconocido. Esta grafías denominadas protosinaíticas, hicieron pensar que se trataba de signos alfabéticos y no silábicos utilizados para escribir una lengua desconocida, aunque se supuso que debía ser semítica, ya que los hallazgos se produjeron en las excavaciones de unas minas de turquesas egipcias explotadas en época faraónica por trabajadores cananitas.

  • La obra “AYIN” esta inspirada principalmente en la plasticidad del signo y el contexto de su origen. La composición y ejecución visual de esta pintura, rinde tributo, no solo a la letra que nos ocupa, también al resto de signos que devinieron en la potente herramienta de comunicación,  que el lenguaje escrito ha supuesto para la evolución de la humanidad en el contexto histórico.

El lenguaje del color y las formas

Post Alarcón4rt 22-3-15

“El sonido musical penetra directamente en el espíritu. Inmediatamente encuentra en él una resonancia porque el hombre lleva la música en si mismo” (Goethe). “Todo el mundo sabe que los colores amarillo, naranja y rojo despiertan las ideas de alegría y riqueza (Delacroix)”.

  • Estas dos citas muestran el profundo parentesco que existe entre las artes, en especial entre la música y la pintura. En este sorprendente parentesco se basa seguramente en la idea de Goethe de que la pintura tiene que encontrar su bajo continuo. Esta profética frase es un presentimiento de la situación en la que se encuentra la pintura en la actualidad. A partir de esta situación y por sus propios medios, la pintura evolucionará hacia el arte en sentido abstracto y alcanzará la composición puramente pictórica. Los medios que para ello dispone son el color y la forma. La forma puede existir independientemente como representación del objeto o como delimitación puramente abstracta de un espacio o una superficie. No así el color, que no puede extenderse ilimitadamente. El rojo infinito sólo puede concebirse intelectualmente. Al oír la palabra rojo no hay límites en nuestra imaginación. Si fuera necesario habría que hacer un esfuerzo para imaginarlos. El rojo no visto sino concebido de modo abstracto, nos da una idea, precisa e imprecisa a la vez, con un tono puramente interior y físico. Es imprecisa porque carece de un determinado matiz del tono rojo. Pero al mismo tiempo es precisa, ya que su sonido interno está desnudo, sin tendencias adicionales hacia el calor, el frío, etc., que lo delimiten. Este sonido interno equivale al sonido de un  piano o de un instrumento imaginado, en ausencia de los detalles concretos. El sonido se imagina en abstracto, sin las diferencias que en él se producirían al sonar o al aire libre, o en un espacio cerrado, solo o con otros instrumentos. La relación inevitable entre color y forma nos lleva a la observación de los efectos que tiene esta última sobre el color. La forma, aun cuando sea completamente abstracta y se reduzca a una forma geométrica, posee en sí misma su sonido interno, es un ente espiritual con propiedades identificables a ella. Un triángulo (sin que importe que sea agudo, llano o isósceles) es uno de esos entes con su propio aroma espiritual. Al relacionarse con otras formas, este aroma cambia y adquiere matices consonantes, pero, en el fondo, permanece invariable, así como el olor de la rosa nunca podrá confundirse con el de la violeta. El número de colores y formas es infinito, así como las combinaciones y los efectos. El material es inagotable. La forma, en sentido estricto, no es más que la delimitación de una superficie por otra. Esta es una definición superficial, pero todo lo superficial encierra necesariamente un elemento interno más o menos manifiesto. Toda forma tiene pues un contenido interno, del cual es expresión. Esta es su caracterización interna. Wassily Kandinsky. Fuente: “De lo espiritual en el arte” (fragmento) La nave de los locos (Premia editora s.a.)

“Génesis” II ▻2008 – by Josep María Alarcón-

Génesis, “LA CREATIVIDAD” I                                                                                                                                                (Josep María Alarcón)

  •  El diccionario de Psicología define la creatividad como un término que designa una serie de rasgos de personalidad intelectual de la persona.

Para Guilford, la creatividad implica huir de lo obvio y lo previsible para producir un resultado inédito y novedoso. El proceso creativo en su fase embrionaria, se genera con una actuación mental, actúa de forma directa, la capacidad de examinar y confrontar toda la información relevante sobre la obra a realizar. El pensamiento puede generar múltiples intentos de enfocar la creación y ejecutarla, descartando la visualización que podrían ser más obvia  y por consiguiente menos original. El artista elige el procedimiento más afín a su dialéctica plástica, no se puede concebir una obra de calidad, sin la liturgia previa a la acción, lo contrario sería fruto del azar y por tanto, de contenido sustancial de baja trascendencia. La práctica en el nivel “emergente”, la fuerza creativa irrumpe con tal contundencia, que ya no se trata de modificar, sino de ofrecer  nuevos lenguajes, nuevas propuestas. Los artistas aportan ideas radicalmente nuevas. En general se presenta con un lenguaje abstracto. Es el nivel que caracteriza al talento y al ingenio.

La configuración de la idea en el pensamiento, es un paso previo fundamental. Según su propia definición, el pensamiento es aquello que se trae a la realidad por medio de la actividad intelectual. De este modo, podemos decir que la obra toma forma a través de procesos racionales del intelecto. El pensamiento puede abarcar un conjunto de operaciones de la razón, como lo son el análisis, la síntesis, la comparación, la generalización y la abstracción. Podemos afirmar, que el pensamiento creativo es la base del Arte, ya que se basa en la libertad de modificar una idea en función de las motivaciones creativas del artista.

“ A & ω “, Pantocrátor. ___by Josep Maria Alarcón.

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“LA CREATIVIDAD” II                                                                                                                                       (Josep Maria Alarcón)

  • La creatividad, no solo se expresa en el arte sino en todos los ámbitos de la actividad humana.
    El arte, es un símbolo cultural, que representa un diálogo permanente con el pasado al tiempo que su expresión artística permite, no sólo materializar la realidad que vivimos, sino crear otros mundos, otras realidades, otros universos esenciales y espirituales.
    De ahí, que la vinculación entre arte y la esencia espiritual sea una de las más significativas dentro de las manifestaciones culturales existentes, no hay que olvidar que la orientación hacia lo divino define las primeras manifestaciones artísticas.
    De este modo, la experiencia creativa, refleja una simbiosis que otorga nuevas formas de representación del origen divino del universo, experimentando nuevos lenguajes de expresión artística en las que la expresión de la religiosidad, desde lo más esencial del espíritu, está presente.

PROTÁGORAS: “Homo omnium rerum mensura est” ___by Josep Maria Alarcón.

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PROTÁGORAS

“EL HOMBRE ES LA MEDIDA DE TODAS LAS COSAS”.

  • Su frase más conocida y comentada. Se resume con las fórmulas “hombre medida” u “homo mensura”, esta última del latín
    Homo omnium rerum mensura est

“UNIVERSIA” by Josep Maria Alarcón in Museum of Contemporary Art CAC Mijas. Spain.

%22UNIVERSIA%22 instalació, Centre d'Art Contemporàni- CAC Mijas. S. ArteItaliaCultura

“UNIVERSIA” (Josep Maria Alarcón)
Leonardo da Vinci y Pablo Picasso, dos creadores clave en la historia del arte y visionarios, cada uno en su tiempo, se enlazan con perfecta armonía en Universia, una instalación artística que les rinde tributo y que ensalza la contribución decisiva que depositaron en futuras generaciones, con su forma especial de entender y concebir el arte.

Un gran icosaedro rojo, situado en el centro de la composición, sintetiza la aportación erudita de Leonardo da Vinci a la obra de Luca Pacioli, “La divina proportione”, escrita en Milán y publicada en Venecia el año 1509. A éste poliedro le acompaña, de forma envolvente, una sucesión de libros suspendidos en el aire, que han sido ilustrados y firmados por Josep María Alarcón. Estos libros no sólo enriquecen la composición con su extraordinaria riqueza plástica sino que, en su vereda estética, homenajean la figura de Pablo Picasso. La fusión de todos los elementos dota a la instalación de una atmósfera mágica y cósmica e interpela con el espectador para que logre conectar con la esencia de la idea, transitando a través de la realidad sensible, la observación y la reflexión. Éste viaje nos transporta a un universo sugerente y anacrónico, símbolo de la cosmogénesis permanente y la metáfora de un instante. Es la imagen estática de la secuencia del crecimiento concéntrico de la evolución del conocimiento, reflejo del continuo cambio y expansión del cosmos.