Arte y Filosofía

· Cant d’himara, 2014 · «Ut Pictura Poesis”

Cant d' Himara. © Fragment

“UT PICTURA POESIS»
✒️ Desde que Horacio pronunció en la Epístola a los Pisones su célebre verso «ut pictura poesis» (como la pintura así es la poesía), muchos han sido los críticos que han cuestionado la posibilidad de unir pintura y poesía, argumentando que se trata de dos artes que derivan en (re)presentaciones diferentes.
Durante la segunda mitad del siglo XVII y en el siglo XVIII, la comparación interartística siguió gravitando sobre tres postulados que se concebían como rasgos comunes de la literatura y la pintura: ambas perseguían el objetivo de una imitación «mejorada» de la naturaleza; utilizaban como material los temas clásicos; y debían crear un imaginario que pudiera ser percibido visualmente, ya fuera por medio de la mirada física o por medio del «ojo mental» (Alderson 1995: 256). El canon estético del clasicismo del siglo XVII y el neoclasicismo del siglo XVIII sometió la imaginería de los pintores al régimen narrativo-didáctico de las palabras, ya que eran éstas las que expresaban el ideal aristotélico de la acción humana. Y este ideal se reflejaba en los relatos épicos, bíblicos e históricos, fuentes de donde la pintura estaba obligada a extraer temas y métodos. La Académie Royale de Peinture et de Sculpture francesa —fundada en 1648— aseguró la continuidad de la tradición humanista a través del papel privilegiado que otorgaba al pintor de género histórico. Éste, según las palabras de Félibien (1669), debía «representar grandes acciones como lo hacen los historiadores, los temas agradables como lo hacen los poetas; y, si aspira a más, es necesario que sepa, mediante composiciones alegóricas, cubrir bajo el velo de la fábula las virtudes de los grandes hombres y los misterios más nobles».
Al mismo tiempo que la pintura estaba confinada a las alegorías de los textos, la poesía tuvo que desarrollar técnicas para reproducir las cualidades propias de los cuadros, cualidades que debían predisponer a la «visibilidad» de los textos. La importancia de la experiencia visual en relación con la experiencia que procede de los demás sentidos ya había sido planteada en la Antigüedad. En la Metafísica, Aristóteles (980a) afirma que la vista nos permite acceder a un mayor conocimiento de las diferencias entre las cosas. Durante el Renacimiento, León Battista Alberti y Leonardo resaltan el valor superior de la mirada, dado que capta la inmediatez y la simultaneidad, características éstas del arte más elevado, la pintura. En el siglo XVII, el empirismo de John Locke preparó el terreno para las idea expuestas por Joseph Addison en Sobre los placeres de la imaginación (1712) sobre el papel privilegiado de la visión para estimular la facultad imaginativa. La divulgación de estas teorías provocó en los poetas una asociación previsible: la belleza está vinculada de manera inherente a la percepción visual. John Dryden escribió en el prefacio a su traducción (1695) del tratado De Arte Graphica (1656) del pintor francés Charles Alphonse Du Fresnoy: «La expresión y todo lo relativo a las palabras es al poema lo que el colorido es al cuadro».
Sin embargo, como señala Jean H. Hagstrum (1958: xxi), los efectos pictóricos no resultaban naturalmente accesibles a un arte que se valía de recursos verbales; en consecuencia, «el buen pictoricismo operó siguiendo el antiguo principio crítico de la difficulté vaincue, es decir, el logro de algo importante que superara la desventaja y dominara el obstáculo». «Superar» y «dominar» son palabras claves para comprender el desequilibrio entre ambas partes de la analogía interartística hacia fines del siglo XVIII. El ejemplo de los pintores estimulaba a los poetas a experimentar nuevas técnicas para superar la desventaja del medio verbal y el método narrativo, y regresar así a la naturaleza sin abandonar los modelos clásicos, como sucede en el ejemplo pionero de Thomson. En cambio, la influencia de la poesía en la pintura, dado el anclaje en la tradición clásica, restringió la imaginación y propició especialmente el decoro, es decir, la facultad moralmente edificante del arte. Todo indica que la tradición del ut pictura poesis no alentó la originalidad artística de los pintores, sino que les impuso evitar lo fortuito y adherirse a temas y tratamientos que habían sido formalizados por la literatura y la historia.
Interpretaciones teóricas y poéticas sobre la relación entre poesía y pintura: breve esbozo del renacimiento a la modernidad. Textos: Ana Lía Gabrielón

«EX LIBRIS» _ Florencia 2016 Arte Italia Cultura ___

El proyecto “EX LIBRIS” se inauguró en Nueva York en septiembre del 2013. “La gran manzana» fue el punto de inicio del periplo itinerante de la exposición. Tras pasar por los museos CAC Mijas Museum Picasso de Málaga y el Gálvez House Museum de Macharaviaya, la muestra viajará a la Toscana Italiana, se presentará en el marco de la exposición internacional que, Arte-Italia-Cultura celebrará en Florencia.

El proyecto global en Italia, contará entre otros, con la presencia de Giuseppe Colombo, presidente y fundador de Arte-Italia-Cultura, “Association of Italian Art & Culture in the World”. La asociación se ocupa de difundir la cultura, el conocimiento, la lengua y el «made in Italia» especialmente en China, en Los Ángeles y en Europa.

El evento exhibirá una selecta muestra de Arte, comisariada por el presidente Giuseppe Colombo y Adriana Conconi Fedrigolli (Dra. en historia del arte) que contará como protagonistas con cinco artistas contemporáneos: Vincenzo Musardo, Maurizio La Bianca, Josep Maria Alarcón, Christian Loretti y Alessandro Vianello.Tras la inauguración de la exposición intervendrá Francesca Sifola, que presentará su último libro «Detrás de la espalda». El arquitecto internacional Dr. David Fisher, referente máximo de la arquitectura dinámica e inteligente. Del arte a la ciencia médica con Antonio Spano y Rosa Scognamiglio que nos presentarán sus importantes logros en el campo de la investigación médica, en este caso, centrada en la leucemia infantil, a continuación llegará el momento dedicado al cine y al teatro, con el actor y guionista italo-americano Matteo Tosi, el director y guionista Antonio Canitano, y los actores Livio Guidorizzi y Gianni Ferrara.
Torii, de lo profano a lo espiritual + ©

El programa continuará con la diseñadora de moda italo-americana Patty Farinelli, que en repetidas ocasiones ha paseado sus creaciones en Los Ángeles, ocupará la pasarela Villa Castelletti con su colección inusual «Alfombra Roja». Una cata de vinos y la excelencia de la comida italiana, acompañada de las sugerencias de los enólogos maestros.
Paul Tomasini presentará hermosas villas y casas históricas famosas, utilizando catálogos y videos, para abrir el mercado internacional, con el objetivo de consolidar el interés de China y Estados Unidos a la belleza arquitectónica privada de Italia.

Liber Calendas·©

“Génesis” II ▻2008 – by Josep María Alarcón-

«LA CREATIVIDAD» I (Josep María Alarcón)

El diccionario de Psicología define la creatividad como un término que designa una serie de rasgos de personalidad intelectual de la persona.

Para Guilford, la creatividad implica huir de lo obvio y lo previsible para producir un resultado inédito y novedoso. El proceso creativo en su fase embrionaria, se genera con una actuación mental, actúa de forma directa, la capacidad de examinar y confrontar toda la información relevante sobre la obra a realizar. El pensamiento puede generar múltiples intentos de enfocar la creación y ejecutarla, descartando la visualización que podrían ser más obvia y por consiguiente menos original. El artista elige el procedimiento más afín a su dialéctica plástica, no se puede concebir una obra de calidad, sin la liturgia previa a la acción, lo contrario sería fruto del azar y por tanto, de contenido sustancial de baja trascendencia. La práctica en el nivel «emergente», la fuerza creativa irrumpe con tal contundencia, que ya no se trata de modificar, sino de ofrecer nuevos lenguajes, nuevas propuestas. Los artistas aportan ideas radicalmente nuevas. En general se presenta con un lenguaje abstracto. Es el nivel que caracteriza al talento y al ingenio.

La configuración de la idea en el pensamiento, es un paso previo fundamental. Según su propia definición, el pensamiento es aquello que se trae a la realidad por medio de la actividad intelectual. De este modo, podemos decir que la obra toma forma a través de procesos racionales del intelecto. El pensamiento puede abarcar un conjunto de operaciones de la razón, como lo son el análisis, la síntesis, la comparación, la generalización y la abstracción. Podemos afirmar, que el pensamiento creativo es la base del Arte, ya que se basa en la libertad de modificar una idea en función de las motivaciones creativas del artista.

“ A & ω “, Pantocrátor. ___by Josep Maria Alarcón.

«LA CREATIVIDAD» II (Josep Maria Alarcón)

La creatividad, no solo se expresa en el arte sino en todos los ámbitos de la actividad humana.
El arte, es un símbolo cultural, que representa un diálogo permanente con el pasado al tiempo que su expresión artística permite, no sólo materializar la realidad que vivimos, sino crear otros mundos, otras realidades, otros universos esenciales y espirituales.
De ahí, que la vinculación entre arte y la esencia espiritual sea una de las más significativas dentro de las manifestaciones culturales existentes, no hay que olvidar que la orientación hacia lo divino define las primeras manifestaciones artísticas.
De este modo, la experiencia creativa, refleja una simbiosis que otorga nuevas formas de representación del origen divino del universo, experimentando nuevos lenguajes de expresión artística en las que la expresión de la religiosidad, desde lo más esencial del espíritu, está presente.

PROTÁGORAS: “Homo omnium rerum mensura est” ___by Josep Maria Alarcón.

PROTÁGORAS

“EL HOMBRE ES LA MEDIDA DE TODAS LAS COSAS”.

Su frase más conocida y comentada. Se resume con las fórmulas “hombre medida” u “homo mensura”, esta última del latín
«Homo omnium rerum mensura est«

«Reflexión». Josep Mª Alarcón

#Arte #cultura#filosofía #reflexión #pensamiento_creativo.

El amplio espectro de procedimientos pictóricos y la diversidad de técnicas y materiales que los artistas disponemos en la actualidad para proyectar nuestro lenguaje creativo, nos lleva a establecer un paralelismo comparativo, que nos ayudará a entender mejor el hecho íntimo de crear, la liturgia que todo artista lleva a cabo para la ejecución de su propia obra.

Gran parte del pensamiento se materializa en el lenguaje, éste es la primera manifestación externa del acto humano de pensar; la segunda es la técnica o el procedimiento de comunicación utilizado, de ahí que el conjunto de las obras externas de la mente sean el «estructo» principal de lo que entendemos como » cultura trascendente».

Por lo tanto, si el pensamiento no se exterioriza/materializa, no existirá la manifestación artística como producto cultural tangible y asequible para la colectividad.

Las palabras que habitualmente utilizamos para comunicarnos, al margen de la etimología o del significado, constan de tres elementos fundamentales, la «materia» (letras, fonética), la «forma» (la combinación ordenada, articulación etc); y la construcción o idea mental que forma el entendimiento (conceptus). Esto mismo podríamos hallar en las creaciones artísticas; los rasgos externos de la materia, el aspecto puramente formal, el diálogo que se establece en la composición entre las formas, las lineas, la textura y el color, nos conducirá, de modo claro, a la estructura más profunda <meta-física> del hecho creativo, al núcleo central del estado primigenio de la obra, a la esencia, a la verdadera razón existencial de la misma.

Con esta reflexión podemos considerar que las estructuras matéricas o sensibles de una creación, al margen de la estética, solo nos muestran la via de acceso, que nos facilitará la conexión plena con la verdadera esencia de lo que entendemos como obra arte, es decir, nos conectará con un estadio metafísico fuera de la materia, aquel espacio donde realmente reside el concepto puro de ARTE. Esta conexión, será de mayor o menor intensidad, en función de la sensibilidad, de la formación y del mecanismo interno que cada espectador disponga para percibir e interpretar el lenguaje plástico-emocional, un concepto situado en un plano superior, aquel que Platón definió como el nivel del intelecto o de las ideas.

Primum cognitum